BP.15- Marina Abramović- y yo

BP.15 es la primera Bienal de Performance en la Argentina que se realizará entre el 27 de abril y el 7 de junio de 2015. Según los comunicados de prensa, uno de los objetivos que tiene la Bienal es dar cuenta de la variedad de posibilidades expresivas de un lenguaje artístico de larga tradición en nuestra región y en el mundo. La bienal dio inicio el día 27 de abril de 2015 con la participación de Marina Abramović , una de las pioneras de la performance. Frente a un público de más de 200 personas, Marina leyó su manifiesto, mismo del que citaré algunas partes: un artista no debe mentirse a sí mismo ni a otros; un artista no debe comprometerse con mercado del arte; un artista no debe matar a otros seres humanos; un artista no debe hacer de sí mismo un ídolo; un artista debe evitar enamorarse de otro artista; un artista debe desarrollar un punto de vista erótico del mundo; un artista debe ser erótico; un artista debe sufrir; a través del sufrimiento un artista trasciende su espíritu; un artista debe buscar dentro de sí mismo para buscar la inspiración; un artista es universo.

Después de leer el texto Andrea Giunta, directora artística del Centro de Arte Experimental, UNSAM, comenzó con una clara y excelente entrevista, en la que recorrió la vida personal, la historia y las obras más importantes de la artista Yugoslava. La primera pregunta abrió de manera básica y concisa la conferencia ¿Cuál es la diferencia entre el teatro y el performance? Una pregunta atinada en un contexto abierto al público. La respuesta de la artista: “En el teatro hay pintura o salsa para simular sangre. En el performance hay sangre de verdad”. Los límites del performance son casi invisibles y el artista se expone. Nada está montado y no hay un guión escrito.

BP15 Marina Abramovic en conversación con Andrea Giunta en la UNSAM (1)

BP.15. Marina Abramovic en conversación con Andrea Giunta, Cortesía:BP.15
BP.15. Marina Abramovic en conversación con Andrea Giunta, Cortesía:BP.15
BP.15. Marina Abramovic en conversación con Andrea Giunta, Cortesía:BP.15
BP.15. Marina Abramovic en conversación con Andrea Giunta, Cortesía:BP.15

Posteriormente Giunta recorrió algunas de sus piezas más representativas: Ritmo 0 de 1974, Rest Energy with Ulay, 1980, Balkan Baroque I, 1997, Seven Easy Pieces, 2005, La artista está presente, 2010 entre otras. Abramović contó algunas historias personales vinculadas a sus obras, como en En Balkan Baroque I en la que narró cómo un cazador de ratas llevaba a cabo su labor. Las ratas no matan a sus familiares, sin embargo el cazador, teniéndolas vivas y encerradas solamente con agua, logró que sus dientes crecieran y con ellos su hambre haciendo que se mataran entre sí. A una de las ratas, a la más poderosa, la dejó libre y sin un ojo. De este modo comería lo que fuera sin importarle cualquier vínculo sanguíneo. Una clara analogía de la guerra según la artista.

 La entrevista parece que dejó al público argentino satisfecho y contento. Entre el dulce de leche y el tango, Marina se volvió familiar y el público quedó encantado con su visita.

Marina Abramović  Rhythm 0, 1974 Table with 72 objects and slide projector with slides of performance, Cortesía: Lisson Gallery
Marina Abramović
Rhythm 0, 1974
Table with 72 objects and slide projector with slides of performance, Cortesía: Lisson Gallery
Marina Abramović  Rhythm 0, 1974 Table with 72 objects and slide projector with slides of performance, Cortesía: Lisson Gallery
Marina Abramović
Rhythm 0, 1974
Table with 72 objects and slide projector with slides of performance, Cortesía: Lisson Gallery
Marina Abramović  Balkan Baroque I, 1997 C-Print 124 x 216 cm, Costesía: Lisson Gallery
Marina Abramović
Rest Energy with Ulay, 1980
black and white photograph
 Cortesía: Lisson Gallery
Marina Abramović  Balkan Baroque I, 1997 C-Print 124 x 216 cm, Cortesía Lisson Gallery
Marina Abramović
Balkan Baroque I, 1997
C-Print
124 x 216 cm, Cortesía Lisson Gallery
Seven Easy Pieces: Gina Pane’s The Conditioning, First Action of Self Portrait(s) (1973), 2005 Performance; 7 hours Solomon R. Guggenheim Museum, New York Photo: Kathryn Carr Courtesía  Marina Abramović Archives y Sean Kelly Gallery
Seven Easy Pieces: Gina Pane’s The Conditioning, First Action of Self Portrait(s) (1973), 2005
Performance; 7 horas
Solomon R. Guggenheim Museum, New York
Foto: Kathryn Carr
Cortesía Marina Abramović Archives y Sean Kelly Gallery
Marina Abramović  The Artist is Present, 2010 Performance Museo de Arte Moderno de Nueva York, Nueva York Tres meses, Cortesía, Marina Abramovic and Sean Kelly Gallery
Marina Abramović
The Artist is Present, 2010
Performance
Museo de Arte Moderno de Nueva York, Nueva York
Tres meses,
Cortesía, Marina Abramovic y Sean Kelly Gallery

Sin embargo quiero hacer algunas anotaciones. El formato de manifiesto desde las vanguardias artísticas del siglo XX, ha pretendido dar un orden y una coherencia a grupos determinados. Lo que finalmente sucede, y esto también es algo de lo que ya mostraron las vanguardias, es que las reglas están hechas para romperse, y ningún manifiesto tiene una duración considerable en el tiempo. El manifiesto de Abramović bajo esta lógica, sería una serie de reglas rotas incluso por ella misma. Su relación con Ulay, formar parte de una de las galerías con más influencia en el arte contemporáneo, ser un ídolo y un referente en la historia del arte para estudiantes, críticos, curadores e historiadores entre otros, son hechos que evidencian esas rupturas. La lista podría continuar, sin embargo hay algo que Marina Abramović deja claro en todo momento: la experiencia. Ella enlista estos conceptos, lee, interactúa, trabaja siempre para experimentar y le abre al espectador esa posibilidad. Cuando la artista contaba su vida  entendí que lo que nos estaba diciendo era otra cosa.Abramović, nos lleva a considerar nuestras experiencias como aprendizajes para el futuro y llevarlas como ella, a su práctica diaria. La artista ha aprendido a través de su cuerpo y trata de enseñarnos por todos los medios a aprender a través del nuestro. Creo que aunque en el manifiesto usa la palabra deber lo que ella promueve en el espectador es promover interactuar, y aunque sea la misma palabra del principio, experimentar.

El día de la entrevista, mientras escuchaba su discurso y su manifiesto, me pareció hasta fundamentalista en frases como: “no soy feminista” o “Esto es bueno y mal arte” “un artista debe, esto o aquello”. Sin embargo, esa primera impresión que me dio viéndola de lejos se modificó a partir de vivir de cerca el workshop en calle Sanchez de Bustamante 75 el día martes 28 de abril de 2015. Llegué temprano, a las 13:00 hrs y sin nada mejor que hacer, con todo el tiempo del mundo en mis manos y con la opinión o tal vez el prejuicio de haberla escuchado un día antes. Comencé a ver a mis compañeros de fila, por supuesto no hablé con nadie pues no he estado muy sociable en estos días. Pensaba mucho, tuve tiempo para pensar pues esperé tres horas antes de poder entrar. Zapatos de colores, un aire intenso, cabellos despeinados y acentos que aún hoy me parecen extraños acompañaron mi viaje hacia no sabía qué. Al ver la fila, pensaba, “estos no tienen nada mejor que hacer ¡Claro como yo! Todos aquí esperando tres horas para verla. Lo que es ser artista en estos tiempos. Ay, pero aquí estoy como siempre”. Finalmente llegué, cuando ya mi vejiga y mis ganas de ir a casa se hacían cada vez más fuertes. Entré a una bodega de techos altos, llena de frío y de luz natural que venía del exterior pasada por unos ventanales que, desde lo alto dibujaban sombras vaporosas sobre el suelo. Una señorita vestida de negro me dio unos audífonos que aislaban el sonido. Los usé. Dejé de pensar. A partir de ahora no me es posible describir lo que vi. No puedo. Puedo dar un testimonio que falsearía lo que en ese lugar ocurrió, pues cada uno de nosotros estaba consigo mismo y es imposible decir al menos con palabras lo que experimenté. Si lo trato de explicar es que me olvidé. Solo supe que tenía que estar allí en ese momento. Me observé por dentro, me escuché y me sentí parte de algo a lo que no puedo nombrar.

Creo que Abramović trata de nombrarlo en sus conferencias, a partir de las palabras, de explicar sus obras, sin embargo la enseñanza más grande de su práctica es vivirla. Recuerdo haberla visto dentro de la sala, recuerdo haber pensado si era ella, recuerdo que no me importó si era o no, solo se lo agradecí profundamente. Entendí algo de su manifiesto, un artista es universo.

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